VIERNES 30 DE DIC VISITA GUIADA ESPECIAL CASTILLO DE CHAPULTEPEC

VISITA GUIADA especial  CASTILLO DE CHAPULTEPEC

durante dos horas conoceremos la historia y los secretos de este lugar emblematico de nuestra ciudad, visitaremos sus salas y el alcazar donde vivieron importantes personajes de nuestra historia
cita: al pie de la rampa de acceso al castillo

viernes 30 de diciembre
11 30 am


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En busca de los inéditos de Sor Juana

 

Todo sorjuanista anhela encontrar textos “inéditos” de la monja jerónima, pero a muy pocos se les concede el deseo, aún cuando dedican muchos años de su vida a estudiar la obra de Sor Juana Inés de la Cruz. Si acaso, hay quienes han descubierto documentos que “se relacionan muy directamente con ella, pero no es obra suya”, dice el investigador Alejandro Soriano.

En torno a esa mujer inteligente y audaz que con su Primero sueño, compitió con Luis de Góngora y polemizó teológicamente con el padre Antonio Vieira, se ha creado una leyenda negra, por ejemplo respecto a sus libros, que si los vendió o la despojó de ellos el arzobispo de México, Francisco de Aguiar y Seixas; incluso a últimas fechas analizan su ADN para confirmar la autenticidad de los restos hallados.

La monja jerónima es figura central del Congreso Internacional “Vida conventual femenina. Siglos XVII-XIX”, que se realizará el 28 y 29 de noviembre en el Centro de Estudios de Historia de México Carso. Allí, Alejandro Soriano Vallés y Sara Poot-Herrera ofrecerán conferencias sobre sus investigaciones más recientes sobre la poeta de la que el pasado 12 de noviembre se cumplió 360 años de su nacimiento.

Pero además se presentará el facsímil del Voto a la Purísima Concepción, un pergamino fechado en 1684 firmado por Sor Juana y otras 70 religiosas. Se trata de un documento que el doctor Manuel Ramos Medina, director del ese centro, califica de “fundamental y único”, cuyo original está en la biblioteca de ese recinto y es prácticamente “inédito”.

Alejandro Soriano Vallés afirma que ha habido hallazgos recientes muy importantes. “Se descubrió por ejemplo que en su época se publicaron tres tomos de su obra: Inundación castálida (Madrid, 1689), Segundo volumen (Sevilla, 1692) y Fama y obras póstumas (Madrid, 1700), que abarcan diversos temas y géneros; aunque la mayor parte es poesía, sobre todo hecha por compromiso (en agasajo de alguien, por encargo de una institución o persona); una obra cuya extensión varía”, dice el autor de Sor Juana Inés de la Cruz. Doncella del Verbo, la biografía mejor documentada de la poetisa que se ha escrito en los últimos 30 años.

El maestro en letras por la UNAM e investigador independiente asegura que en el caso de la prosa, destacan su autobiografía Respuesta a Sor Filotea y la Carta atenagórica.

“Por supuesto, no es todo lo que escribió; hay distintos textos dados a la estampa por separado. En realidad ignoramos cuánto de lo que escribió se imprimió, porque ignoramos cuánto escribió. Tenemos noticias de diversos escritos perdidos, entre ellos un manual de música, titulado Caracol; unas Súmulas o lógica menor y un tratado llamado Equilibrio moral“, asegura el investigador.

El ensayista, crítico literario, poeta mexicano y biógrafo que ha dado grandes aportes sobre diversos aspectos de la vida y el pensamiento de Sor Juana Inés de la Cruz, fue el encargado de hacer el estudio introductorio de Protesta de la fe. Sor Juana Inés de la Cruz, un opúsculo publicado en 2010 por el Centro de Estudios de Historia de México Carso, institución que resguarda el único ejemplar en el mundo del que se tenga información.

Se trata de un pequeño pero valiosísimo escrito perteneciente a los años finales de Sor Juana, que es otra de las pruebas de que “fue ella quien decidió, voluntariamente, dedicarse a una vida de mayor espiritualidad”, señala Soriano Vallés.

Por su parte, la también estudiosa de Sor Juana, Patricia Saldarriaga, afirma que tan sólo sobre el poema Primero sueño se han hecho nuevos estudios, pero falta “una aproximación interdisciplinaria que estudie con profundidad la relación entre los tratados de arquitectura del XVII y el texto de Sor Juana”.

La profesora del Middlebury College asegura que entre los nuevos hallazgos está haber descubierto sus restos, con lo que se despejarán muchas dudas respecto de su origen. “Incluso, la sangre de un documento firmado por ella en el que afirma ‘Yo la peor del mundo’ se someterá a la misma prueba. Este examen puede darnos una respuesta definitiva a la pregunta sobre la autenticidad de los restos de la monja”.

Obras perdidas

Alejandro Soriano Vallés asegura que aunque no se sabe cuánto escribió Sor Juana y qué tanto se imprimió, si se tienen noticias de los títulos de obras perdidas, cuyo hallazgo sería un enorme sueño. “En este sentido, siempre es factible que aparezcan textos nuevos. Los últimos años han sido fecundos en revelaciones. Por ejemplo, en 2004 el investigador José Antonio Rodríguez Garrido publicó dos manuscritos mexicanos que se encontraban en Perú. Son inestimables para el correcto estudio de la vida y obra de la monja”.

Soriano Vallés dice que aparte de la Protesta de la fe él, en su biografía Doncella del Verbo presentó cuatro papeles inéditos; tres de ellos completamente desconocidos que le ofreció, para divulgarlos, el historiador Jesús Joel Peña Espinosa.

“Se trata de parte de la correspondencia sostenida entre el obispo de Puebla y Juana Inés. Uno de ellos, la Carta de Puebla, es interesantísimo, pues se trata nada menos que de la contestación de Sor Filotea a la famosa Respuesta de Sor Juana. Todo esto me anima para expresar que sí, en cualquier momento puede surgir un escrito nuevo de Sor Juana”, señala Soriano Vallés.

También Patricia Saldarriaga habla de las obras que todos los sorjuanistas anhelan encontrar, entre ellas el tratado sobre música titulado El caracol que hasta la actualidad no se ha logrado ubicar.

“Ojalá que pronto aparezca el texto y lo digo con esperanza, ya que varios expertos musicólogos están trabajando en diversas catedrales y a lo largo de los últimos años han encontrado mucho material sobre la música para los villancicos que ella escribió y que muchos de ellos se cantaron en las iglesias. Es probable incluso que también se aclare la gran pregunta de que si ella compuso música para estos textos”.

Vida cultural en el claustro

Ramos Medina asegura que el congreso que organizan será un encuentro que más allá de entrar a la historia religiosa quiere ver la historia de México a través de las monjas que son representantes de la sociedad. “A través de este conocimiento podemos ver lo que sucedía en la Nueva España en esos siglos”.

CAMBIO DE LUGAR DE VISITA DOMINGO 18 DE DIC MUSEO NACIONAL DE SAN CARLOS 12 DEL DIA

DOMINGO 18 DE DICIEMBRE DOCE DEL DIA MUSEO NACIONAL DE SAN CARLOS

Se encuentra ubicado en la avenida Puente de Alvarado núm. 50 Colonia Tabacalera, delegación Cuauhtémoc.

Entre las calles de Ramoz Arizpe y Emparán.

Se puede llegar en Metro: estaciones Revolución e Hidalgo y en Metrobús: estación Revolución.

POR RAZONES DEL MUSEO DEL CHOPO QUE CIERRA SUS PUERTAS ESTE VIERNES 16 CAMBIAREMOS LA VISITA GUIADA AL MUSEO NACIONAL DE SAN CARLOS Y AL PANTEON DE SAN FERNANDO

Palacio del Conde de Buenavista

La construcción de este edificio se llevó a cabo entre los años de 1798 a 1805, por encargo de la segunda marquesa de Selva Nevada para su hijo, el conde de Buenavista, quien murió antes de terminado el palacio. Su proyección se atribuye al valenciano Manuel Tolsá, director del área de escultura en la Academia de San Carlos y autor de destacados ejemplos neoclásicos en arquitectura y escultura, como el Palacio de Minería, las obras de conclusión de la Catedral Metropolitana y la estatua ecuestre de Carlos IV (conocida como El Caballito).

A lo largo del siglo XIX funcionó como casa habitación de familias con títulos nobiliarios y de personajes de la escena política mexicana.

A partir de 1899 tuvo otros fines distintos a los residenciales, como sede de las oficinas de la Tabacalera Mexicana, de la Lotería Nacional y de la Escuela Nacional Preparatoria N° 4, entre otros. En 1968, la custodia del inmueble pasó al Instituto Nacional de Bellas Artes, el cual lo destinó para albergar la colección de arte europeo que hasta entonces había resguardado la Escuela Nacional de Bellas Artes (antigua Academia de San Carlos).

VISITAREMOS LA EXPOSICION Caminos del barroco. Entre Andalucía y Nueva España aborda, entre otros aspectos, la influencia de artistas andaluces que emigraron a América y que constituyeron, en buena parte, el origen de la escuela mexicana

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PARA ORGANIZAR UNA VERDADERA POSADA

En México, existe constancia de que en 1587, el religioso agustino fray Diego de San Soria, prior del convento de San Agustín acolman  solicitó y obtuvo una bula del entonces Papa Sixto V para celebrar anualmente, en esa sede y otras del Virreinato, misas de aguinaldo desde el día 16 y hasta el 24 de diciembre.

Al inicio como todo festejo, estas fiestas se desarrollaron en los atrios de las iglesias y después se extendieron a la vía pública. Las calles se llenaban entonces de gente, que con gran bullicio se formaba en procesiones, había profusión de luces, tanto en las ventanas de las casas como con las velas que llevaba cada uno de los participantes; todo mundo cantaba y bailaba; pero en el momento preciso, se arrodillaba y rezaba adonde quiera que se encontraba. De esta manera lo religioso y lo profano formaban una mezcla de devoción y diversión que hace de las posadas mexicanas algo muy bello y único en el mundo.

En el siglo XIX las posadas se encontraban firmemente instaladas en el interior de las casas, pero las concentraciones en las calles y en las iglesias no se acabaron. Existen reseñas de aquél siglo que describen varios tipos de posadas llevadas a cabo por diferentes grupos sociales como la alta sociedad, donde celebraban con gran suntuosidad y sin escatimar en decoración, belleza y variedades de figuras del nacimiento y fuegos de artificio. Se cuenta que había niños vestidos de ángeles que llevaban túnicas de tela metálica con hilos de plata o de oro, penachos de plumas blancas, alas de gasa, zapatos de satín blanco, bordados en oro y una profusión de finos diamantes y perlas en cintas para la cabeza, broches y collares.

En las casas de la clase media solían festejar nueve veladas y adornaban con heno, ramas de pino, farolas de papel o vidrio, y se celebraba la posada de manera parecida a la actualidad, con la diferencia de que tronaban ruidosos cohetes y rezaban al momento de la entrada de los peregrinos a la casa, después de pedir posada.

En la mitad del siglo XX, y hasta la fecha, los adornos de faroles se reemplazaron por foquitos de colores y luces eléctricas. Ya no hay músicos vivos y se tocan discos para alegrar la fiesta. El ejército de sirvientes que una vez ostentaba la clase alta del siglo XIX, se redujo notablemente a uno o dos criados. En vez de tronar cohetes se distribuyen a los invitados centellantes luces de bengala. Se comenzó a obsequiar frutas, cacahuates y canastitas con colación a la gente mayor. En el pasado eran canastas de porcelana que se guardaban como recuerdo, pero más tarde se hacían de palma tejida o de cartoncillo, adornadas con papel de china de colores. Hoy en día la colación se reparte en bolsas de plástico con detalles navideños.

Actualmente no todas las familias conservan las costumbres del pasado y esto se ha agudizado durante los últimos lustros. En muchas ocasiones, las posadas se han convertido en bailes de salón, donde ya no se recuerda la razón del festejo. Sin embargo, vale la pena revivir la tradición de las posadas clásicas como lo hacen en algunas vecindades o conjuntos habitacionales donde todos los vecinos colaboran, y cada quien se encarga de algún aspecto de los preparativos para hacer la ocasión lúcida y agradable. Para ello, te presentamos lo necesario para organizar una posada tradicional mexicana:

- Peregrinos
- Libro de letanía
- Velas
- Colación
- Silbatos
- Canastas de papel o de palma
-piñata
- Soga o mecate
- Fruta: cacahuates, mandarinas, limas, tejocotes, caña, etc.
- Luces de bengala

- Si se desea, pueden repartirse atole, buñuelos y/o tamales a los invitados.

• Se adorna la casa con faroles de papel y papel picado.
• Para la procesión, los invitados deben formar una fila y cantar los párrafos de la letanía, al frente de ellos deben ir los Santos Peregrinos.
• Posteriormente, los asistentes se dividen en dos grupos: el primero pedirá posada fuera de la casa y el segundo se colocará dentro de ella para responder a los cantos y dar posada.
• Al terminar el acto religioso, se repartirá la colación en canastitas de papel, además de las luces de bengala y los silbatos.
• El momento más esperado de la posada llega: la ruptura de la piñata.
• Una vez que se haya roto la piñata, se reparte una porción de fruta a cada invitado. Finalmente se dará por terminada la fiesta degustando un vaso con ponche o atole para contrarrestar el frío; estas serán el complemento ideal de los tamales y los buñuelos hechos en casa.

LA INOLVIDABLE AUDREY HEPBURN

AUDREY HEPBURN
(1929-1993)
Mujer de frágil belleza y sublime elegancia, Audrey Hepburn fue una de las actrices más estilosas de todos los tiempos.
Nació el 4 de mayo de 1929 en la ciudad belga de Bruselas, en el seno de una familia de clase alta, su madre era una aristócrata de origen holandés y su padre era un banquero británico. El pomposo nombre con el que fue bautizada fue el de Edda Kathleen Van Heemstra Hepburn-Ruston.
Tras el divorcio de sus padres, Audrey permanecería con su madre y se iría a Inglaterra. En Londres asistiría a colegios privados y a clases de danza.
Su delgada y alta figura le conseguiría la oportunidad de introducirse en el mundo de la moda.
El siguiente paso sería intentar la entrada en la industria cinematográfica, entrada que se produjo a finales de los años 40 tras la oferta realizada por un productor holandés (país donde pasaba sus vacaciones y en donde residía en largas temporadas) para intervenir en “Nederlands in 7 lessen” (1948).
Eran papeles de figurante que fue poco a poco incrementando con el paso de los años. En ese periodo apareció también muy brevemente en la famosa película de la Ealing “Oro en barras” (1951). Decidida a hacerse un hueco en el mundo del cine, Audrey se marchó a Hollywood para probar suerte y la verdad es que no pudo ser más afortunada.
Tras revelarse en Broadway con “Gigi” consiguió su primer papel americano en una película de William Wyler llamada “Vacaciones en Roma” (1953), una comedia romántica co-protagonizada por un ya estelar Gregory Peck.
El film fue todo un éxito y su aristócrata interpretación premiada con el Oscar a la mejor actriz. No cabe decir de que fue la intérprete femenina revelación del año.
En los años 50, Audrey se presentaba como un tipo de belleza muy alejado de las carnosas féminas estilo Jane Russell, Marilyn Monroe o Jayne Mansfield, su elegancia y apariencia distinguida fueron muy bien aprovechadas en películas de corte romántico de múltiples variantes como “Sabrina” (1954) de Billy Wilder, “Una cara con ángel” (1956) de Stanley Donen o “Ariane” (1957) también dirigida por el gran Wilder.
Otros films de los 50 fueron “Guerra y Paz” (1956) de King Vidor, “Mansiones Verdes” (1958) de Mel Ferrer e “Historia de una monja” (1959) de Fred Zinnemann. Por sus actuaciones en “Sabrina” e “Historia de una moja”, Audrey volvería a ser nominada al premio Oscar.
En “Mansiones Verdes” había sido dirigida por Mel Ferrer, actor, productor y director con el que se había casado años atrás, en 1954.
Con Ferrer compartiría protagonismo en dos ocasiones, “Guerra y Paz” (1956) y en “Encuentro en París” (1964), una película firmada por Richard Quine. Cuatro años después de finalizar este trabajo se divorciarían.
Los años 60 no serían muy prolíficos para Audrey Hepburn pero casi todos los proyectos que iniciaba eran verdaderamente interesantes.

Títulos como “Los que no perdonan” (1960) de John Huston, “Desayuno con diamantes” (1961) de Blake Edwards -por el que volvió a ser nominada al Oscar-, “Charada” (1963) de Stanley Donen, “My Fair Lady” (1964) de George Cukor, “Como robar un millón y…” (1966) de William Wyler, “Dos en la carretera” (1967) de Donen o “Sola en la oscuridad” (1967) -última nominación- de Terence Young mostraban tanto su talento interpretativo como el éxito que seguía manteniendo entre la audiencia cinéfila con productos de calidad que compartía al lado de gente tan importante como Burt Lancaster, Cary Grant, Rex Harrison o unos jóvenes George Peppard y Albert Finney.
Tras su divorcio de Ferrer y su boda con el médico Andrea Dotti en enero de 1969 (se divorciarían en 1982), Audrey Hepburn se retiró del cine para ocuparse de sus dos pequeños hijos durante unos años regresando en 1976 con la crepuscular historia sobre Robin Hood desarrollada en “Robin y Marian” (1976), un film dirigido por Richard Lester y co-protagonizado por Sean Connery.
Sus posteriores apariciones en la pantalla grande se cuentan con los dedos de una mano siendo su último trabajo el compartido con Steven Spielberg en “Always” (1989).
En los años 80 y 90, la principal tarea de Audrey fue la humanitaria, ayudando a los niños pobres como embajadora especial de la UNICEF, esta tarea sería recompensada con un premio póstumo especial Jean Hersholt, póstumo pues moriría debido a un cáncer de colon en Suiza el 20 de enero de 1993. Tenía solamente 63 años.

GRACE KELLY ICONO DE ESTILO

Grace Kelly: Icono de Estilo

El estilo clásico y elegante de la bellísima Grace Kelly sigue marcando tendencia, por eso el Victoria & Albert Museum de Londres ofrece una selección de los vestidos más espectaculares y recordados que Grace llevó como estrella de Hollywood y, posteriormente, como princesa de Mónaco.

La exposición Grace Kelly: Icono de Estilo, cuenta con diseños de Christian Dior, Balenciaga, Givenchy, Yves Saint Laurent fue una de las grnades muestras de 2011

La muestra empieza con tres elegantes vestidos diseñados por Helen Rose, modista de la Metro Goldwyn Mayer, para el personaje que Grace Kelly interpretó en la película High Society (Alta Sociedad) en 1956, la cual, lamentablemente, fue su última película. Después de esto se dedicó a su vida de princesa.

Helen Rose fue la elegida por Grace Kelly para que diseñara el vestido de novia que lució en su boda con el príncipe Rainiero, el 19 de abril de 1956, en Mónaco. Este acontecimiento fue llamado “la boda del siglo”.

En esta exposición tampoco podía faltar el vestido negro de gasa que Grace Kelly lució en Rear Window (La Ventana Indiscreta) de Alfred Hitchcock.

La responsable fue Edith Head, modista de Paramount Pictures, quien también creó el vestido de satén color verde perla con el que recogió su único Óscar en 1954 por The Country Girl (La angustia de vivir), cuando tenía sólo 25 años.

La muestra también tiene una extensa sección dedicada a su rol como miembro de la realeza. Se exponen varios vestidos que llevó en actos oficiales como princesa, así como la tiara y el conjunto de joyas de la casa Van Cleef and Arples, la favorita de Grace Kelly, que Rainiero encargó en su tienda de la Quinta Avenida de Nueva York para pedirle matrimonio.

El elegante traje verde de Givenchy, con el que se lució en una visita oficial a la Casa Blanca en 1961, donde fue recibida por John F. Kennedy y Jaqueline Kennedy, no podía faltar en la muestra.

Y también se exhibe el fabuloso vestido morado de Yves Saint Laurent que la princesa llevó en una gala benéfica en el Royal Opera House de Londres, en el que coincidió con la entonces futura princesa Diana.

La princesa sabía que los complementos importan, y mucho, por eso en la muestra no podían faltar. Su estilo lady se complementaba a la perfección con los lentes de sol, sombreros y guantes blancos a los que era aficionada. Y no olvidemos el mítico bolso de Hermès llamado Kelly, en honor a la princesa, y que además ella puso de moda al ser fotografiada varias veces con el.

Y aunque un accidente de auto, en 1982, le quito la vida, en la misma carretera de Mónaco en la que ella y Cary Grant hacen un picnic en la película To Catch a Thief (Atrapa a un ladrón), la actriz y princesa Grace Kelly sigue siendo un referente de la moda, y todo un icono de estilo.

EL ART DECO

El Art déco fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), influenciando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la 'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Déco fue acuñado en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966[1], el término "Art déco" es por lo tanto una abreviatura de la palabra francesa "décoratif". En inglés se suele suprimir el acento y se escribe "Deco".

Morfología y tecnología

Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.

Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó.

Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los materiales que prefiere y utiliza, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del Art Déco. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.

Sociología

 

El Déco alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Déco era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Déco fue un avance frente al Art Noveau, esta vez, exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e imaginería de su tiempo.

El Art Déco era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. En simultáneo a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del Art Déco durante la 'edad del jazz'.

 Decadencia

El movimiento pierde patrocinio en las metrópolis europeas y americanas mucho después de haber alcanzado una introducción masiva; al punto de ser empleado para representar falsas pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo cae en decadencia dadas las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.

En países coloniales o periféricos tales como India, Nueva Zelanda, Cuba, Colombia, Guatemala, Argentina, México, Ecuador y las Filipinas, se convirtió en una puerta de entrada al Modernismo y continuó siendo utilizado bien hasta los años 1950. En América Latina se pueden encontrar durante este periodo varios exponentes del Art Déco como José Fioravanti en Argentina.

Un resurgimiento del interés en el Decó vino desde exploraciones del diseño gráfico en los años 1980. Su asociación con el "film noir" en cinematografía y el encanto del glamour de los años 1930 propició su reempleo a finales de la década de 1980 en piezas publicitarias para joyería y el mundo de la moda y en la decoración de hoteles como el Hotel Fairmont y El Palacio de Bellas Artes en Ciudad de México.